Josef Albers war Dichter, Grafiker und Bauhaus-Lehrer, der feststellte, dass die Wahrnehmung von Farbe immer relativ und subjektiv ist und dass die Beziehung zwischen Farben das verändern könnte, was wir sehen. Er hat eine Farbe fest in ihrer Zusammensetzung gefunden — rosa vor einem rosa Hintergrund sieht völlig anders aus als das gleiche Rosa in einem Meer von Grün. Albers glaubte, dass Farbe Magie sei und dass es keine harten und schnellen Regeln über die Farbwahrnehmung geben könne. Er lehrte die Schüler, dass die Qualität der Aufmerksamkeit, die einem Objekt geschenkt wird, seine Farbtöne und Tiefen offenbaren würde, und dass die Menschen so viel wie Farbe sehen — so wurde die Qualität eines Blaus zum Beispiel immer vom Betrachter bestimmt. Diese Farbveränderlichkeit demonstrierte Albers mit einer eigenen Serie identischer quadratischer Gemälde, in denen Farbwechsel, Sättigung und Werte das Aussehen der Farben beeinflussen. Der Zusammenhang zwischen Komposition und Farbe ist klar, denn jedes Gemälde erscheint dramatisch anders, obwohl es die gleichen Proportionen hat. Der Expressionist Johannes Itten lehrte am Bauhaus eine Farbtheorie, mit der Kunststudenten auch heute noch an die Farbe herangebracht werden. Er entwickelte ein 12-Farben-Rad basierend auf drei primären, drei sekundären und sechs tertiären Farben: rot, gelb, blau; grün, orange, violett; und tertiär — rot-orange, gelb-orange, gelb-grün, blau-grün, blau-violett, rot-violett. Itten ordnete den Farben bestimmte Emotionen zu und bezeichnete die Farbtöne entweder als „warm“ oder „cool“. Er arbeitete daran, verblüffende Farbkontraste zu erzeugen, indem er Sättigung, helle und dunkle Werte, Ergänzungen — Gegensätze auf dem Farbrad — und warme und kühle Farben gegenüberstellte.
Itten zeigte den Schülern, wie das Platzieren gegenüberliegender Farben nebeneinander dazu führte, dass die Betrachter Vibrationen oder Schatten sehen. Er theoretisierte, dass warme Farben vorwärts zu bewegen scheinen, weil sie tröstlich und attraktiv für Beobachter sind, und coole Farben zurücktreten, weil sie Gefühle der Melancholie oder Traurigkeit inspirieren. Seine Farbprinzipien funktionieren gleichermaßen gut für Künstler und Innenarchitekten. Color-Light Plays wurden live mit mechanisch betätigten farbigen Lichtern durchgeführt, die durch geschnittene Papierschablonen gezeigt wurden, die leuchtende Muster auf einen transparenten Scrim warfen. Diese Elemente wurden zur Musik choreographiert, um die vielen musikalischen Analogien zu realisieren, die Bauhaus-Meister wie Johannes Itten, Vassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers immer wieder beschworen haben, um den Akt der Bildkomposition zu beschreiben. Paul Klee untersuchte die dynamischen Übergänge, die entstehen, wenn ein Künstler mit Farbsättigung und Werten zappelt. Ein Wert ist, wie hell oder dunkel eine Farbe ist, und Sättigung bezieht sich auf die Reinheit oder Intensität einer Farbe. Klee beobachtete, dass Wertänderungen oder Sättigung unterschiedliche Gefühle beim Betrachter hervorrufen.
Er formte einen sechsfarbigen Regenbogen zu einem Farbrad und lehrte die Schüler über die Unterschiede in der visuellen Wahrnehmung von Farbe in Farbe und die Natur der Farbe als Licht. Klee erforschte das Mischen von Farben, das Verglasen über Farben und die Art und Weise, wie das Auge ein Bild einer Komplementierung sieht, nachdem es eine Weile auf eine einzelne Farbe starrt — zum Beispiel auf eine gelbe Form vor weißem Hintergrund starren und dann die Augen schließen und die Form wird lila, gelb s Komplement auf dem Farbrad sein. Wassily Kandinsky entdeckte, dass die Schnittmenge von Linien, Ebenen und Farben einen Eindruck im Betrachter erzeugte, der nichts mit dem Thema des Gemäldes zu tun hatte. Er begann mit nicht-repräsentativen Gemälden zu experimentieren — Abstraktion — mit geometrischen Formen und Linien und ohne Farbe innerhalb einer Form. Er färbte, sehr bewusst, außerhalb der Linien.